La perversión del ritmo
Por Walter Javier Velásquez y Jesús Maria Rodríguez
18 de mayo de 2007
Con el sincopado llegaría el caos
Antes de comenzar, recordemos brevemente el artículo anterior: Los ritmos de la naturaleza responden a unos patrones específicos. La música ha copiado estos patrones. El sincopado (literalmente sin compás), es el ritmo que está por fuera de los patrones naturales. El sincopado no respeta los patrones de tiempo y duración de los ritmos musicales. Por ejemplo, un vals, consiste básicamente en un golpe fuerte seguido por dos golpes más suaves. Una marcha, por otro lado, consiste generalmente en un golpe fuerte seguido por un golpe suave y así sucesivamente. El sincopado es una alteración o interrupción del flujo regular del ritmo, pone el acento en la sílaba incorrecta, donde normalmente no debería estar. Otra forma de sincopado es la subdivisión de los tiempos colocando el acento en medio de dos golpes. Los ritmos sincopados –contarios al orden universal- desestabilizan todo lo hallado.
Con el sincopado, el ritmo se salió de la base sobre la que todo fue creado, para ser sometido a variaciones y alteración que tiene un gran efecto en el escuchante. Hoy en día la gran variedad de ritmos musicales que escuchamos tiene sus bases en el sincopado. En experimentos realizados por científicos, se ha demostrado que las plantas que fueron expuestas por varios meses a música cuyos ritmos están basados en la naturaleza presentaron gran producción de frutos. Por el contrario, las que fueron expuestas a ritmos sincopados como el rock, produjeron pocos frutos y de mala calidad.
La caída de África
El continente africano fue en épocas muy antiguas epicentro de una gran civilización que alcanzó una Era Dorada, paralela a la época de la Lemuria. La población que se estableció allí había manifestaba un alto grado de desarrollo espiritual. Eran fácilmente reconocidos por el color morado oscuro matizado de azul de su bella piel. Por esta razón fue conocida como la raza azul-violeta, colores que representan el Alfa y el Omega dentro de los siete Rayos de la creación.
Los Maestros Ascendidos nos han enseñado que en algún momento de la historia cósmica, un grupo de ángeles se revelaron en contra de Dios. Su orgullo no les permitió aceptar la orden de servir a los Hijos e Hijas de Dios, a quienes consideraban inferiores a ellos. Fueron arrojados del cielo –estado de conciencia basado en la Unidad- por el Arcángel Miguel. La misericordia de Dios les permitió seguir evolucionando en los planos de la materia junto con los hijos e hijas.
La mayoría de estos ángeles, liderados por Lucifer, decidieron emprender la guerra contra las hijas e hijos de Dios. Para esto los tentaron e hicieron que cayeran en la conciencia de la dualidad, es decir, la creencia en la separación de Dios y su creación. Estos ángeles caídos descendieron por toda la tierra. En el continente africano se concentraron en generar la “caída” de la raza azul-violeta a través de la perversión de los ritmos de la naturaleza.
Estos rebeldes conocían muy bien los ritmos de la creación de Dios y sabían que si los invertían y dañaban, generarían el caos y la destrucción. Se introdujeron en la cultura africana y enseñaron el ritmo sincopado. Los tambores africanos, cuyo sincopado frenético altera la conciencia, es el legado de los ángeles caídos. El mal uso del ritmo degeneró las conductas sexuales y la armonía natural de las personas. En un periodo que abarcó varios miles de años, el sincopado deterioró la cultura y la religión hasta terminar en ritos como el vudú. En ellos, el sacrificio de animales y la música de los tambores es imprescindible para alcanzar estados alterados de conciencia en los cuales se comunican con sus “dioses”; que no son más que demonios astrales sedientos de sangre –luz-.
El ritmo sincopado, por invertir los ciclos musicales de la naturaleza, hace que los chakras empiecen a girar en sentido contrario a las manecillas del reloj. La luz de estos centros energéticos se sale de control y empieza a ser emitida en forma desordenada y caótica hacia fuera. Es ahí donde las entidades astrales la absorben para alimentarse. Los ritmos sincopados hacen descender en forma brusca la luz de los chakras desde la coronilla hasta la base de la espina, invirtiendo el ascenso de la Luz de la Madre.
Estas descargas súbitas generan un gran placer en las personas, la sensación se asemeja a la del orgasmo. La búsqueda de esta excitación placentera hace que la gente se vuelva adicta de esta clase de música y no pueda vivir sin ella. Sin saberlo se han convertido en las “vacas” de los ángeles caídos, produciendo energía para ellos y siendo periódicamente “ordeñados” a través de la adicción a los ritmos disonantes.
Lamentablemente el continente africano fue la cuna de los ritmos sincopados y desde allí se diseminaron por el mundo. Cuando hablamos de los “ritmos africanos”, lo hacemos para referirnos exclusivamente a esta perversión de la música. No es nuestro objetivo menospreciar a nuestras hermanas y hermanos negros por quienes profesamos un gran amor y respeto. Es más, para nosotros el concepto de “razas” es totalmente obsoleto. Todos somos un mismo espíritu, una sola raza: Hijos e Hijas de Dios, por encima de cualquier distinción que separe a los pueblos.
La influencia de la música sobre la sociedad
Los psicólogos, antropólogos e historiadores han menospreciado el papel que ha tenido la música en el desarrollo de las sociedades. La historia mundial siempre ha estado acompañada e influenciada por los ritmos musicales de las naciones y los pueblos. Muy pocas personas se atreverían a sugerir una conexión entre la música de África y Europa y la manera como se desarrollaron estas culturas de manera paralela pero totalmente diferente.
Aristóteles dijo que “la introducción de un nuevo ritmo debía mirarse como un peligro para todo el estado, puesto que los ritmos musicales nunca se alteran sin afectar a las instituciones o a la población”. Se ha dicho desde hace mucho tiempo que “no importa quien escriba las leyes, mientras el que lo haga tenga el poder de escribir la música de una nación”. Algunos pensadores griegos y de otras civilizaciones han sostenido que “la buena música dispone a hombre a la virtud, mientras que la mala música dispone a hombre al vicio”. Los griegos tenían una legislación fuerte para preservar la pureza de la música, los compositores eran confinados e incluso eran aislados, si su música se consideraba perjudicial para el público.
Se cuenta que un emperador Chino, revisaba personalmente cada nuevo ritmo que salía en su nación. Él analizaba la nueva música que llegaba para asegurarse que estuviera en correspondencia perfecta con los cinco tonos o notas de la escala musical china antigua. Con este método el podía predecir si habría una variación en la cultura de su pueblo.
¿Qué sabían nuestros antiguos que nosotros hemos ignorado? Ellos eran concientes del poder que la música ejerce sobre las personas. Un nuevo ritmo musical puede variar las costumbres, la moral y la ética de las sociedades. Como hemos visto en nuestro mundo moderno, la música rock y otros ritmos han impactado directamente sobre las personas en los últimos años, la manera de pensar, de vestir, de afrontar la sexualidad y las drogas, así como la manera de actuar, ha cambiado dramáticamente al compás de los nuevos ritmos.
Una prueba científica
Muchas personas podrán tratar de desmentir estas afirmaciones sobre los efectos dañinos del sincopado. Para muchos, una demostración científica de esta teoría es necesaria. No es fácil para nadie reconocer que aquello que nos causa placer y alegría resulte ser nocivo para nuestro desarrollo psicológico y espiritual. Para la mayoría de las personas es preferible permanecer ciegos ante la realidad. Para ellos cualquier afirmación que los saque de su estado de comodidad será rechazada por cualquier medio, ninguna evidencia será suficiente. Y si llega una prueba determinante, la ignoraran y continuarán con su estado de comodidad a pesar de ella.
El japonés Masaru Emoto, licenciado en Relaciones Internacionales y más tarde en Medicina Alternativa, sorprendió a todos cuando demostró la influencia del sonido sobre el medio. Él estaba interesado en saber como influía este en las moléculas de agua. Tras años de investigación logró crear un método que le permitiera demostrar su teoría. La técnica consiste en exponer el agua a determinados sonidos, luego congelarla y fotografiar los cristales hexagonales que forman las moléculas.
Veamos algunas fotografías logradas por el Dr. Emoto al exponer al agua a sonidos tan variados:
Agua destilada después de audición
de canto del flokolore Karachi
Agua sometida a la repetición de la frase: “me enfermas”
Obsérvese que los cristales no se alcanzan a formar.
Agua sometida a la palabra: “Amor”
Agua examinada después de un mantra sánscrito.
Agua expuesta a una pieza de muisca clásica:
Variaciones Goldberg, de J.S. Bach
(Obsérvese que en las puntas se vuelven
a formar estructuras hexagonales,
como 'variaciones' del hexágono central
Después de la audición de heavy metal,
el agua destilada no encuentra el camino
para cristalizar en formas hexagonales.
Esta fue la prueba reina sobre los efectos del ritmo en la naturaleza. La última fotografía muestra la imposibilidad de las moléculas de agua para cristalizarse en forma hexagonal. Esto solo sucedió al exponer el agua a palabras cargadas de odio y a ritmos destructivos como el heavy metal. Ahora te pregunto: Si sabes que tu cuerpo está compuesto un 70% de agua… ¿Qué crees que hará esa clase de música contigo?
La estrategia de los caídos
Los ángeles caídos, causantes del derrumbamiento de la cultura africana y otras importantes civilizaciones como la de la Atlántida, utilizaron el ritmo sincopado para degenerar las sociedades. Después del hundimiento de esta última a muchos caídos no se les volvió a permitir encarnar en la tierra durante un largo periodo de tiempo. A finales del siglo XIX y principios del XX, le fue permitido regresar a la encarnación, a un gran número de ellos, especialmente a los que estuvieron relacionados con la perversión del ritmo en culturas antiguas.
La misericordia de Dios les permitió regresar con el fin de que volvieran la cara a Él y decidieran enderezar sus caminos impíos. Sin embargo –llenos de cólera contra el Creador- enfilaron nuevamente sus esfuerzos para derrumbar la sociedad. La mayoría de ellos se establecieron en los Estados unidos y empezaron a experimentar con la mezcla de ritmos sincopados. La instauración de estos ritmos fue la base que debilitó la moral de la sociedad, convirtiendo sus mentes en caldo de cultivo propicio para la implantación de las drogas, la promiscuidad, y la violencia en el mundo moderno.
La conspiración de la escuela de Frankfurt
La eterna lucha de los ángeles caídos entre si, generó la división principal del mundo entre el comunismo y el capitalismo. Ambas corrientes políticas, diametralmente opuestas en teoría, tienen un único propósito común: lograr el control de la sociedad por parte de una elite pequeña compuesta por los caídos de más alto rango. A esta maquinación del infierno se le conoce como la CCCI (Conspiración comunista capitalista internacional).
Ambas corrientes han corroído los valores fundamentales de nuestra sociedad moderna. El comunismo, al contraer el derecho fundamental de la libertad, al perseguir la facultad humana de ejercer la individualidad y al convertir a los hombres en simples maquinas productivas para el estado. El capitalismo por su parte, colocó el dinero por encima de los principios y valores creando una sociedad de consumo cuya vida gira en torno al televisor y a la música disonante.
El papel de la Escuela de Frankfurt fue fundamental en la degeneración de la cultura americana. Se trató de un movimiento filosófico y sociológico fundado en 1923 y asociado al Instituto de Investigación Social de la Universidad de Frankfurt. Su portavoz fue en un principio Max Horkheimer, quien sería nombrado director del Instituto en 1930 y que expuso la ‘teoría crítica’ de esta escuela en su periódico Zeitschrift für Sozialforschung (artículos recopilados en la obra publicada en 1968 Teoría crítica). La escuela era de inspiración marxista aunque también admitía otras formas de liberación como el psicoanálisis de Sigmund Freud.
En 1930 Theodor Adorno se asoció al Instituto. Era un hombre de inteligencia excepcional y muy versátil, experto en música, así como en filosofía y sociología. Su amigo Walter Benjamin también colaboró y en 1933 se asoció Herbert Marcuse, discípulo de Martin Heidegger. Al año siguiente los nazis cerraron el Instituto por sus tendencias comunistas y la ascendencia judía de la mayoría de sus miembros, muchos de los cuales se exiliaron, entre ellos Horkheimer, Adorno y Marcuse.
El Instituto volvió a abrir sus puertas en Nueva York con el nombre de Nueva Escuela de Investigación Social. En esa época aparecieron publicadas diversas obras: Razón y revolución (1941), interpretación hegeliana de Karl Marx escrita por Marcuse, La dialéctica de las Luces (1947) de Adorno y Horkheimer, Minima Moralia (1951) de Adorno y La personalidad autoritaria, obra sobre psicología empírica de Adorno y otros autores. El Instituto retornó a Frankfurt a comienzos de la década de 1950 junto con Horkheimer y Adorno, que fue su director entre 1958 y 1969. Marcuse y los demás integrantes permanecieron en Estados Unidos.
Los miembros de esta escuela -enemigos del modelo capitalista- idearon un plan mediante el cual derrumbarían las bases sociales de América, como son: la religión, la moral, los principios y los valores. Su estrategia consistió en ir colocando a Marxistas en lugares prominentes de la sociedad americana: los medios de comunicación, la iglesia, la educación y la música.
A través de la televisión presentaron patrones familiares disfuncionales. Alentaron la rebeldía de los niños y adolescentes contra sus padres Promovieron la liberación sexual y la anarquía en los hogares. Durante esa época muchos cantantes fueron investigados por sus posibles vínculos con el comunismo, entre ellos Celia Cruz. La agrupación The Beatles puso la cara de Karl Marx en la portada de uno de sus álbumes. Realmente lograron causar impacto en la sociedad y desestabilizarla al taladrar su moral. La punta de lanza de su proyecto fue la música rock, ritmo que apoyaron y con el que logaron extender sus ideas.
A continuación haremos un breve recuento de los principales ritmos que se basan en el sincopado. Jesús dijo: ´´Por sus frutos los conoceréis´´ así que una manera fácil de comprender el efecto de un ritmo musical es mirando el estilo de vida de sus expositores y el tipo de personas que asisten a lugares donde esa música se escucha. ¿Son personas equilibradas? ¿Viven sus vidas basados en principios de vida más elevados?
El advenimiento del Jazz
Este ritmo musical unió el sincopado africano con la música europea de los siglos XVIII y XIX. El jazz nació aproximadamente en 1900 junto con los blues, producto de la mezcla de cantos “hollers” e himnos religiosos cristianos del siglo XVIII. Este género se caracteriza por su gran variedad y la posibilidad de improvisar durante la interpretación.
En los inicios del siglo XX surgió el primer estilo de jazz documentado en Nueva Orleams, el nombre de Buddy Bolden aparece como uno de los primeros artífices de bandas de jazz. Durante los años 20 este género logró extenderse y alcanzó una gran aceptación por parte del público. Por esta época Armstrong, uno de sus más famosos expositores llevó el jazz a Chicago, donde ejerció influencia sobre los músicos locales. En esta época surgieron las primera big bands las cuales fueron muy populares durante los años de 1930-40.
El jazz ha seguido “evolucionando” hasta nuestros tiempos generando una variedad de ritmos muy marcados. Esta música va en contra del flujo natural de la Luz de la Madre. Sus melodías se desarrollaron en medio de un ambiente oscuro y bohemio el cual estaba dominado por las drogas y el alcohol. La perdida de los valores morales en la mujer fue consecuencia directa de su interacción con esta música.
La “bomba” del rock
La palabra rock abarca a un gran número de géneros musicales que tuvieron su nacimiento durante el siglo XX. El origen del rock se puede rastrear a través de su característico ritmo sincopado africano. Surgió de la mezcla de diferentes estilos como el blues, el rhythm and blues, el gospel y el country and western. Esta música entró al mundo causando gran impacto y cautivando de inmediato a las masas.
El rock saltó bruscamente al mundo en la década de los 50 a través de Elvis Presley, quien lo popularizo. Su público se compuso principalmente de jóvenes entre los 13 y 19 años, esto le dio una gran oportunidad para minar a la sociedad americana con anti-valores. Rápidamente fue nombrado como el Rey del Rock, en perjuicio de cantantes como Chuck Berry, Bill Haley, Jerry Lee Lewis, Roy Orbison, Cash y Perkins y talentos que se incorporan a los insólitos ritmos frenéticos y juveniles de estos años, como Buddy Holly, Gene Vincent, Eddie Cochran, Ritchie Valens, Johnny Burnette, entre muchos otros. Los movimientos de Elvis durante los conciertos, así como la letra de sus canciones inspiraban al sexo.
The Beatles enloquecieron a la juventud en 1960. Incorporaron la melodía al ritmo del rock. Su música marcó un estilo muy característico. En 1964 Allen Ginsberg, el poeta de la generación Beat, declarará que "la conciencia universal de la humanidad se encuentra ahora en Liverpool", haciendo referencia al lugar donde se formó la banda. En 1966 Jhon Lennon afirmó que ellos eran más populares que Jesús, causando un gran revuelo en la prensa.
Su música estaba cargada de mensajes subconscientes que alentaban al consumo de las drogas. En 1965 la marihuana y el LSD fueron introducidas en América, después de que las mentes juveniles habían sido preparadas por tantos años para ello. En 1967 graban Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, álbum en cuya portada colocaron a sus “heroes”, el citado comunista Karl Marx y el mago negro Alesteir Crowlley, maestro de Antón La Vey, el fundador de la Iglesia de Satán.
El 12 de julio de 1962 se presentan al mundo The Rolling Stones, que bajo el liderazgo de Mike Jagger alcanzaron una fama mundial. Su canción “Sympathy for the Devil” (simpatía por el diablo), deja manifiestas sus inclinaciones satánicas. Después de esta agrupación vinieron un sinnúmero de bandas y solistas que fueron imprimiendo su sello a esta música. Su desarrollo fue paralelo al crecimiento de la drogadicción y los embarazos en adolescentes en Estados Unidos. El aborto fue consecuencia directa de esta cultura de la muerte que pervirtió el ritmo de la Madre Divina para robar la luz de los jóvenes quienes se volvieron adictos a esta nueva forma de vida cuyo eslogan es: “si se siente bien, hagámoslo”.
En los años 70 la heroína ingresa a la lista de sustancias dañinas. En esta época el rock ácido mutó en rock duro, gracias a Led Zeppelin, y al rock progresivo o sinfónico, con proyectos mastodónticos como Pink Floyd. A finales de esa década nace en Dublín, Irlanda U2 convirtiéndose rápidamente en una de las bandas más importantes del género. En los 90 aparece Nirvana, uno de sus miembros, Kurt Cobain, se quito la vida en 1994, a los 27 años. Su suicidio marcó el ejemplo que seguirían miles de jóvenes después de él.
Los primeros pasos del rock en Latinoamérica se sintieron con “La Bamba”, la adaptación de una canción tradicional mexicana realizada por Ritchie Valens. El rock latino se estableció firmemente en 1970 con “Abraxas”, el segundo disco de Santana. Este músico creó escuela, lo que se podría llamar el rock latino adulto, que todavía pervive en grupos como los mexicanos Maná. Después de está época surgieron numerosas bandas cuyos ritmos y letras de canciones cautivaron a la juventud latina mostrándoles unos estándares de conducta totalmente inmorales. En ese tiempo llegaron “Soda Estereo” y los “héroes del silencio”. Sus letras sugieren la rebeldía y el libertinaje. Hoy día, cantantes como Chakira y Juanes marcan la pauta del rock latino.
La Balada
Este termino se aplica a un tipo de música especifica que se difundió rápidamente en la Europa de los Siglos IX y X. Se trataba generalmente de canciones que narraban historias o hablaban de amor, generalmente en verso y con estribillo. “Las Baladas” es un término que se presta a confusión, es como un cajón de sastre donde caben desde canciones del siglo IX hasta la actualidad.
En Latinoamérica llamamos balada a un género romántico que tomó fuerza en la década de los 60 y 70. Cabe aclarar que la balada en si no es negativa. El ritmo de la mayoría de sus canciones suele estar vibrando en armonía con la naturaleza, generalmente en 4/4. Sin embargo, la mayoría de sus canciones no aportan mucho para el crecimiento espiritual de la gente. La letra suele estar asociada a historias tristes y melancólicas. Los desengaños y la desesperanza son recurrentes en muchas baladas. Las podemos relacionar con personas bohemias que han perdido interés por la vida.
Este es el caso de la música cuyos ritmos están armoniosos pero la letra es contraria al crecimiento espiritual. Cuando una persona está deprimida y escucha una balada, generalmente se sentirá aun más triste. Al identificarse con la música se vuelve complaciente con su estado de conciencia, porque razona que, si un cantante importante experimenta lo mismo que ellos, entonces no debe ser tan malo.
Ciertamente hay algunas muy pocas baladas que citan temas que ennoblecen a las personas y las incitan a elevarse en conciencia. La balada moderna por otro lado ha sido salpicada por el acompañamiento sincopado de una batería y letras aun más discordantes. Esperamos con ansia el resurgimiento de este género, pero esta vez para cantar temas que muevan a las personas a mejorar, que llamen a la paz y al compartir del Amor Incondicional.
La incursión de la Salsa
Este ritmo musical surge de la mezcla de varios ritmos latinoamericanos de raíces africanas. La salsa tiene su raíz en el son cubano, que al mezclarse con la rumba de los esclavos negros y el danzón importado por franceses e ingleses, dió como resultado un nuevo tipo de música. A medida que se fue extendiendo por Latinoamérica fue absorbiendo estilos de los diferentes países, principalmente de República Dominicana, Colombia, Puerto Rico y México.
Pero fue en 1930, fecha en que entró a Estados Unidos, cuando recibió la influencia del jazz. Se desarrolló principalmente en Nueva York, donde recibió oficialmente el nombre de salsa. El cubano Arsenio Rodrigues, durante las décadas de 1940 y 1950 fue importante precursor de este género. Después de 1960 fueron el intérprete de timbales y director de orquesta Tito Puente y la cantante Celia Cruz los principales representantes de este género.
En la década de los 70 se inició la difusión comercial de la esta música. Entonces pudo llegar a las masas a través de intérpretes como: el dominicano Johnny Pacheco, los estadounidenses Willie Colón y Ray Barreto y el puertorriqueño Cheo Feliciano, entre otros. En la década de 1980, la salsa perdió algo de popularidad, pero siguieron teniendo éxito intérpretes como Lalo Rodríguez, Eddie Santiago, Gilberto Santa Rosa y Víctor Manuel.
La salsa esta basada también en el ritmo sincopado. Su música pervierte la luz presente en los chakras, desarrollando los instintos sexuales en forma desordenada. La cultura de la salsa y del sexo vienen de la mano a través de la historia. Su baile característico se compone de seis pasos ejecutados sobre un compás de ocho tiempos.
Reggae
Este ritmo incursionó al mundo en 1940. Jamaica fue la nación que dio nacimiento a esta música. Sus orígenes pueden encontrarse en el mento, una mezcla del folclore africano con el jazz, el gospel y el calipso. La influencia del rhythm and blues, que llegaba a la isla a través de las emisoras de radio de Estados Unidos, propició que los músicos jamaicanos experimentaran con tambores y con nuevos modelos de bajos. De ahí surgió un estilo revolucionario conocido como ska en 1966. El tempo se fue suavizando hasta llegar al estilo rocksteady, que abrió el camino al reggae. La canción “Do The Reggay” de The Maytals (1968) supuso una de las primeras apariciones de esta palabra.
Bob Marley le dio un nuevo aire al reggae. Combinó melodías influidas por el soul con letras contestatarias. Su música estuvo influida por el rastafarismo, una creencia religiosa basada en la Biblia y la conciencia afrocaribeña. El consumo de marihuana es parte ritual de esta religión. Esta música logró amplia aceptación mundial. En 1988 el grupo inglés UB40 consiguió un gran éxito con Red Red Wine.
El ritmo suave del reggae produce una especie de hipnosis entre sus escuchantes. Esto reduce su capacidad en la toma de decisiones y prepara la mente a nivel subconsciente para la aceptación de las drogas. El consumo de marihuana es común entre su público. Esta droga sirve de puente a otras sustancias aun más destructivas.
Un nuevo ritmo: el Reggaeton
Esta música sincopada surgió principalmente de la fusión de rap newyorkino con el reggae jamaiquino. En 1994 surgen las dos primeras producciones de Reggae/rap en español: "The Noise" y "Playero 37". Estas se cantaban como rap cuya mayoría de arreglos musicales eran beats de reggae movido sobre instrumentales de rap. Entre los primeros exponentes de ese experimento están Baby Rasta y Gringo, Guanabanas, Maicol y Manuel, Polaco, Don Chezina, y Daddy Yankee (de Playero). El contenido de su música era la vida de la violencia en las calles, como la canción "Bien guillao de ganster" de Chezina, muerte a la competencia como "blam yo le doy" de Baby Rasta y Gringo. También temas alusivos al sexo y las drogas. Sus videos musicales representan un estilo de vida excéntrico donde el dinero sobreabunda y las mujeres se poseen como mercancía.
Su balie es erótico e incita al coito. El sincopado acelerado de este ritmo genera una gran sacudida a nivel de los chakras generando unas descargas de luz rápidas y constantes. La energía que fluye de las personas que se someten al reggaeton se asemeja a las luces pirotécnicas que salen descontroladas. Esto genera un buen alimento para los demonios hambrientos que viven de nuestra luz. Esta “música” esta relacionada con el aumento en el índice de consumo de drogas en la juventud, el embarazo en adolescentes y la proliferación del SIDA. El reggaeton es hasta el momento, la cúspide de la perversión del ritmo por parte de los caídos.
Merengue
El merengue es la danza y música oficial de Republica Dominicana. Esta música es un ejemplo de la perversión de los ritmos de la naturaleza. Los orígenes del merengue se remontan a la contradanza, la mazurca y el vals europeos, todos ritmos naturales convertidos en danzas que hacen fluir la luz de los chakras en forma natural y armoniosa. En la mayoría de sus canciones la percusión sincopada desestabiliza este ritmo.
Esta música ha emigrado a toda América latina, principalmente a Haiti y Venezuela. Ha tenido como interpretes más importantes a Johnny Ventura y Félix del Rosario, quienes, junto con Alberto Beltrán y Juan Luis Guerra la han popularizado. Las letras de sus canciones reflejan sentimientos que están en desarmonia con nuestra conciencia más elevada.
Tango
Forma musical, bailable y cantable, con cuatro pies rítmicos distribuidos en dos tiempos. Su cuna fue el Río de la Plata, especialmente en la ciudad de Buenos aires, durante el último tercio del siglo XIX. La palabra tango tiene orígenes africanos y está relacionada con el trafico de esclavos. El término tangomao era un africanismo de la lengua portuguesa y quería decir "hombre que trafica con negros". Este simbolismo de la palabra tango, lo podemos aplicar a los oyentes de este género, quienes viven esclavos del pasado y del alcohol.
Se llamaba tangos a los sitios donde los afroamericanos se reunían a bailar y a cantar. Este género musical creció en los suburbios y se desarrolló en los bares donde se practicaba la prostitución. Los nombres de los primeros autores quedaron en el anonimato. El primer tango con autor conocido es “El entrerriano”, de Rosendo Mendizábal, estrenado en 1896 e impreso en 1898. Su baile se caracteriza por una coreografía donde las parejas entrelazan sus piernas uniendo la mitad inferior del cuerpo haciendo alusión al acto sexual.
En 1910, el tango se impuso en Paris, de allí viajaría a los Estados Unidos y regresaría fortalecido a su natal Argentina. La invención de la radio y los gramófonos permitió que este ritmo se extendiera rápidamente. En esa época surgieron importantes expositores del género como: Carlos Gardel. Otros nombres importantes del canto son Mercedes Simone, Ada Falcón, Sofía Bozán, Tita Merello, Rosita Quiroga, Azucena Maizani, Ignacio Corsini, Agustín Magaldi y Alberto Gómez.
El tango es una perversión del vals. Su música degenera el ritmo del chakra del corazón y evoca sentimientos de nostalgia, tristeza y abatimiento. Esta música esta relacionada con el consumo de bebidas alcohólicas. Los sitios donde se desarrolló estuvieron marcados por la inversión de los valores. El tango prepararía el campo para otros ritmos que vendrían mas adelante.
Samba
Es probablemente el ritmo más significativo de Brasil y el símbolo indiscutible del carnaval de Río de Janeiro. Sus raíces son africanas, su ritmo sincopado esta acompañado por instrumentos de percusión y cantos donde alternan el coro y los solistas. La Samba adquirió notable popularidad en Brasil en las décadas de 1920 y 1930. En 1960 recibió la influencia del jazz y la Bossa Nova. Algunos de sus representantes mas famosos fueron los brasileños Chicinha Gonzaga, Ernesto Nazareth, Tupinamba o José Barbosa da Silva. Dentro de las corrientes más actuales destacan Vinicius de Moraes, Milton Nascimento, Chico Buarque y Maria Bethania.
Este ritmo sensual ataca la luz de la Madre y desgasta los sentidos con su golpeteo. Llega a hacer ver la moral y los principios como algo obsoleto. Brasil se ha caracterizado por el culto al sexo de muchos de sus habitantes. Este país es el chakra de la base de Suramérica. Desde allí los fuegos de la Madre Divina se deben elevar para la victoria de este hemisferio. Este país es caracterizado por la espiritualidad de sus habitantes, aunque también ha sido contaminado por el vudú y la santería procedentes de África.
Bossa-nova
Este ritmo musical se dio a conocer al mundo en 1950. Rápidamente se hizo famoso alcanzando a un público muy amplio. Tuvo una influencia importante en el desarrollo de la Samba. Sus raíces están en la misma samba clásica. Se caracteriza por su complejidad melódica y armónica. Sus creadores son el compositor Antonio Carlos Jobim y el cantante y guitarrista João Gilberto.
La primera grabación importante de este estilo fue 'Cega de saudade' en 1959. La diferencia básica de la Bossa Nova con los otros estilos que la precedieron fue su capacidad de situar la melodía y el ritmo de la canción al mismo nivel. La voz delicada de un cantante le dio un aire refinado y sensual. Las raíces de esta música son brasileñas, tiene gran influencia de los ritmos africanos y del jazz. Esta música, que al igual que la samba, degrada la luz de la Madre, se internacionalizó con canciones como: 'Samba de una nota só' (Samba de una nota sola), 'A garota de Ipanema' (La chica de Ipanema) y 'Desafinado'.
El Bolero
En Latinoamérica se conoce con este nombre al género cubano de carácter ligero, escrito en compás binario y tempo lento. Surgió en el siglo VIII. Se hizo famoso durante la década de 1950 con Agustín Lara y temas como “Imposible” (1928). Algunos de sus principales autores fueron Osvaldo Farrés, Pedro Flores, Álvaro Carrillo o Julio Gutiérrez, entre otros muchos. Los Panchos se hicieron famosos en 1944 creando una base musical compuesta por dos guitarras y un requinto para las melodías, a esto se sumaban dos voces que realizaban las armonías.
Sus letras han tratado generalmente sobre amores imposibles, traiciones, desamores y toda una gama de temas con las que se identifica fácilmente una persona que esté atravesando por una situación similar. El bolero con su tiempo lento, aletarga los sentidos y conlleva a estados depresivos que están lejos de permitir que la conciencia se eleve para buscar soluciones a los problemas.
La Ranchera
Estilo musical con rasgos melódicos de la jota y del zapateado españoles. Era cantada por campesinos y sus letras, al principio contaban historias y reflejaban aspectos de la vida rural. Se dio a conocer en las grandes ferias regionales de donde se fueron llevando a diferentes lugares de México. Al principio las letras se escribían en versos endecasílabos, pero las numerosas variaciones a las que se expuso el género dejaron esta medida. Típicamente se interpreta con agrupaciones de mariachis.
Con la llegada del gramófono y la radio, la ranchera se extendió rápidamente por centro y Suramérica. Surgieron expositores famosos como José Alfredo Jiménez, Cuco Sánchez, Ricardo Fuentes, Tomás Méndez, Chucho Monge, Ernesto Cortázar, Manuel Esperón y Rubén Méndez, entre otros. Los intérpretes más famosos han sido: Jorge Negrete, Pedro Infante, Lucha Reyes, Miguel Aceves Mejía, Pedro Vargas, Lola Beltrán, Chavela Vargas y Vicente Fernández, entre muchos otros. Esta música tuvo gran aceptación del público campesino por reflejar sus estilos de vida.
Algunas canciones resaltan la belleza de la mujer, sin embargo, este género no tarda en tomar un carácter violento. Sus letras empezaron a hablar de asesinatos, venganzas, traiciones, desamores, tristezas. Contaron historias trágicas que generalmente invitaban al consumo de licor. La ranchera ejemplifica algunos de los rasgos más destructivos del ser humano. Su música no contribuye al ennoblecimiento de las personas, sino a su propia autodestrucción.
El corrido
Al principio, este género musical mexicano hablaba de las hazañas y sucesos heroicos acaecidos durante la revolución mexicana. Probablemente tiene su origen en la romanza española, en forma de cuartetas y estructura lineal (de ahí su denominación), cuya música se repite en cada una de las cuartetas. Se acompaña generalmente de violines y guitarras interpretado por mariachis.
En los últimos años, una de sus variaciones más notables: el corrido norteño, incursionó en la cultura mexicana y colombiana. Sus letras empezaron a hacer alusión al narcotráfico, mostrando sus asesinatos y trafico de drogas como verdaderas hazañas heroicas. Esta música, ha inspirado a nuestros jóvenes a seguir el ejemplo de los capos de la mafia. La figura del sicario es recurrente en sus canciones.
El Vallenato
Podemos describirlo como un tipo de música típico que ha causado un gran impacto en Colombia. Su cuna es la costa norte de ese país, más exactamente en Valledupar, capital del departamento del Cesar. Existen registros de este ritmo desde las primeras décadas de 1800. El Vallenato es la combinación de tres instrumentos básicos como lo son el acordeón, la caja y la guacharaca. Esto dio como resultado final un género único que no saldría sino mucho tiempo después de la región en donde nació.
Luego se expandiría por todo el territorio nacional de Colombia y después, por muchos países de habla hispana. La palabra "vallenato" sale de la descomposición de la frase "nato del Valle", respuesta que daban los de esa región cuando se les preguntaba de donde eran.
La música vallenata tiene cuatro ritmos básicos que son: el son, el paseo, el merengue y la puya. Estos se diferencian entre sí por la rapidez y por la forma en que son ejecutados los instrumentos. El vallenato es producto de la mezcla de ritmos autóctonos colombianos, con los tambores africanos y el acordeón europeo. Va desde unos ritmos rápidos sincopados a melodías lentas como las del paseo, el cual es por lo general romántico aunque hay ocasiones en que se le compone a un amigo, a un pueblo y en general a las costumbres provincianas.
El vallenato fue mirado con desconfianza desde sus inicios. En “Cien años de soledad”, la obra del premio novel García Márquez, Ursula Iguran afirma que el vallenato es: “una música perniciosa y vulgar”. Esta frase probablemente refleja el pensamiento de la época. Al principio esta música fue relegada por relacionarse con conductas impropias. El articulo 62 de los estatutos del club de Valledupar rezaba así: “Queda terminantemente prohibido llevar a los salones del club, música de acordeón, guitarras o parrandas parecidas”
Sus primeros expositores fueron Emiliano Zuleta, Lorenzo Morales, Pancho Rada, Alfredo Gutiérrez, Fortunato Fernández y Rafael Escalona, entre otros. En la década de los cuarenta el Vallenato se populariza con la revolución de la industria disquera. La expansión decisiva para esta música en Colombia y Latinoamérica se alcanzó con agrupaciones tales como “El Binomio de oro”, Carlos Vives, “Los inquietos del vallenato”, Diomedez Diaz, etc. quienes alcanzaron a un publico mucho más amplio.
Las letras del Vallenato generalmente hablan de temas tristes y nostálgicos. Muchas personas empiezan a gustar de esta música cuando están atravesando por etapas emocionales difíciles. Las rupturas amorosas son recurrentes en sus letras. Esta música genera sentimientos de depresión y desgano. Su ritmo lento es anti-victoria y no ofrece soluciones para quien la escucha, por el contrario, sume aun más a las personas en sus penas y dolor. Por otro lado, versiones más rápidas como la “puya”, con su sincopado acentuado, hacen girar rápida y frenéticamente los chakras en sentido contrario, generando una gran pérdida de Luz.
La música popular colombiana
Este género musical ha logrado extenderse, generando su amplia aceptación durante los últimos años en Colombia. Abarca varios ritmos que tienen algo en común: son la música que resuena en las cantinas y bares donde se promueven el alcoholismo y la prostitución. Al principio era reconocida como “música guasca”, haciendo alusión a los campesinos a quienes la gente de la ciudad llamaban despectivamente “guascas”. Este término proviene probablemente de las tiras del tronco del plátano, con las que amarraban su carga al caballo.
La música popular tiene varias raíces, entre ellas la ranchera y el tango. Cantantes como Julio Jaramillo la hicieron famosa tras la llegada del gramófono. En Colombia este género cambió radicalmente en la década de 1990 con el estilo particular impuesto por Darío Gómez. En ese momento se empezó a conocer como la “música de despecho” y al mencionado cantautor como el “rey del despecho”. No tardaron en surgir nuevos expositores como Luís Alberto Posada y el Charrito negro. Después del año 2.000 vinieron una gran variedad de jóvenes intérpretes como Luisito Muñoz y Jhonny Rivera, quienes logaron lo que por muchos años no había sido posible, la aceptación de este género por parte del público joven.
Las letras de la música popular evocan estados de conciencia depresivos. Hablan del sufrimiento como parte esencial de la vida. Atacan a la mujer mencionándola como causa de todos los males. La expansión de esta música y el avance paralelo del alcoholismo son innegables en nuestros días, donde los jóvenes empiezan a beber cada vez a una edad más temprana.
¿Y ahora que?
Esta información creará un gran impacto entre las personas al saber que prácticamente toda la música comercial resulta perjudicial para nuestro desarrollo espiritual. Nuestro papel no es buscar popularidad diciéndole a la gente aquello que quieren oír. Nuestro compromiso es decir la verdad para que las personas puedan tomar una decisión basada en la información.
El primer paso –para los que desean seguir- es reconocer que nuestra cultura ha sido influenciada negativamente por la música. En segundo lugar, hay que aceptar que esto ha formado parte de un plan preestablecido por los enemigos de la Luz y la Verdad.
No recomendamos a quienes han sido adictos a ciertos ritmos por mucho tiempo que los dejen de escuchar inmediatamente. Para lograr esto es necesario un proceso gradual que toma cierto tiempo. En primer lugar, recomendamos que empieces a hacerte conciente del verdadero significado de la letra de las canciones. Analiza el estilo de vida autodestructivo de algunos de sus cantantes y piensa si eso es lo que quieres para ti.
Recuerda el lema: “En aquello que pones la atención te conviertes”. Cada vez que te identificas con letras de canciones cuyo mensaje no aporta nada productivo a tu vida, lo estas atrayendo. Si estas atravesando una situación difícil y escuchas música que habla de lo mismo, te estarás condenado acometer el mismo error una y otra vez.
Para empezar a abandonar estos ritmos destructivos, debes reconocer que en muchos casos se han convertido en una adicción. El primer paso es conseguir música que este en armonía con la naturaleza, como cualquiera de los ejemplos que dimos en el artículo anterior. Si por ejemplo escuchas tres horas diarias o más, de música disonante, puedes empezar poniendo cinco minutos diarios de ritmos armoniosos. Poco a poco iras aumentando la música armoniosa, a medida que disminuyes los ritmos dañinos.
Al principio, la música clásica –por ejemplo- puede parecer aburrida, esto es porque tus sentidos están acostumbrados a melodías totalmente opuestas. Con el tiempo te sorprenderás de cómo tu oído se irá refinando y pedirá naturalmente más de ella. El proceso puede durar varios meses. Es importante que entiendas que los espíritus desencarnados del plano astral harán un esfuerzo enorme por mantenerte atado a esos ritmos. El hecho de que escuches esa música representa alimento para ellos. En todo el proceso serian de gran ayuda los Rosarios, especialmente el del Arcángel Miguel, para mantener las entidades a cierta distancia.
No esperes cambios instantáneos en tus gustos musicales. Las células tardan tiempo en dejar de vibrar con un ritmo determinado. La música disonante te ha mantenido atado a un estado de conciencia por mucho tiempo, a eso es a lo que llamamos “El inconciente colectivo de las masas”. Este genera un tirón magnético que tratara de mantenerte en ese nivel. Dejar estos ritmos representa abandonar ese estado de conciencia y elevarte al siguiente escalón. Para eso se requiere un deseo sincero de progresar y Ser el Más.
Para más información, consulte la página de internet: www.marysdivinedirection.com, sección: Guardians of the Mother Light, Guarding the Mother Light in world situations, Question and Answer.
Link: http://www.marysdivinedirection.com/E_GUARDIANS/WORLDSITUATIONS/Worldsituations.html